Продолжение темы рисования шарообразных объектов, вписывающихся в окружающую среду, за счёт правильной отрисовки отражений и тени. Здесь ранняя попытка и схема рисования металических отражений у сферических поверхностей.

Рекомендации

Упрощенная схема рисования отражений на шарах:

1. Не бояться использовать цвета из окружающей среды, даже если они совершенно не соответствуют цвету рисуемого объекта. Чем более глянцевый шар, тем больше отражает света и красится в цвета окружающей среды.

2. Край шара отражает свет который попадает на него с фона, на котором он находится. Края шара принимают цвет того, что находится за шаром и вблизи него за ним.

3. Область между центром и краем принимает цвета объектов, находящихся в стороне от шара.

4. Центр шара отражает то, что находится в месте точки обзора. Если шар сфотографирован, то центр шара отразил бы саму камеру и то, что находится рядом с ней.

Практика

Несколько первых попыток рисования матовых отражений:

Более толковые попытки на фотографиях в качестве фона, задающих атмосферу.

Эти несколько элементарных правил, данных выше помогают рисовать объекты в такт с окружающей средой. Появляется понимание, насколько важно понимать, что происходит в визуализируемом мире, чтобы регистрировать все нюансы и особенности правдоподобно.

Свет очень важен

Правильная расстановка отражений и освещения очень благоприятно способствуют взаимодействию объектов визуализируемой сцены между собой. Картина смотрится реалистичнее и приятней, когда количество несоответствий сводится к минимуму.

На примере одной из последних моих картинок можно посмотреть какой эффект оказывает свет в отличие от его отсутствия.

На первом рисунке промежуточный этап работы над иллюстрацией «Конца Света» и Сохранившимся процветающим участком города. На нём вроде бы и есть блики на камнях от светящегося купола, но видно, что этого не достаточно, т.к. светит то, всё-таки здорово.

Я думаю, размещение светлых красок по прилежащей территории к куполу повысило правдоподобность.

Какие у Вас будут советы и рекомендации по рисования сферичных поверхностей и не только, а так же по определению света и цвета на них?

Приведу наглядный пример использования сервиса Color Scheme Designer, обзор которого я делал ранее, для подбора хороших цветовых схем к своих художественным работам. Да.. Я установил в боковой колонке Кнопку, с помощью которой можно быстро попасть на этот сайт. Примером будет одна из моих работ, в которой, как оказалось, подобраны неплохие цвета. Выбрав четырёх угольный режим, получились как раз те цвета, которые я использовал в этом наброске. Вообще вовсе не обязательно ставить режим в четыре направления. Очень часто я использую двухсторонний режим или трёхсторонний. Поэкпериментируйте и найдёте много интересных схем и сочетаний цветов. Удачи с цветами!

Перспектива — это отличный инструмент для изображения габаритов объекта или расстояний до него от зрителя.

Возможность перспективы

Иллюстрация от K-Tim:

В этой работе трёхточечная перспектива.

По памяти решил повторить что-то в роде этой сцены. В моём результате мало чего хорошего, однако это рисование навело меня на очень хорошие вопросы:

1. Как выбрать нужное расстояние точки схода так, чтобы кривизна перспективы была той, которая необходима?

От этого параметра зависит видимые габариты и расстояние до объекта.

2. Не очень ясно как будет располагаться перспендикуляры от объектов, подвешенных на той же высоте, что и домик в небе только на заднем плане. Как для них вычислить точки схода?

Основа понимания перспективы

Главное правило перспективы заключается в том, что чем дальше объект от наблюдателя тем меньше его видимый размер.

Пример: На рисунке ниже схематично изображён дом, имеющий прямоугольную форму, но в перспективе его форма похожа на трапецию. Фактически верхняя и нижняя грани этой фигуры равны, но верхняя грань зримо оказывается меньше в два раза чем нижняя потому, что расстояние до неё от зрителя дальше как раз в два раза.

Эк

Перспектива с реальными размерами

Для рисования объектов нужных габаритов с реальной перспективой обзора, давайте рассмотрим пример:

Допустим необходимо изобразить параллелепипед высотой 25 метров шириной 40, расположенный на расстоянии от обозревателя на расстоянии 50 метров.

На левом рисунке изображена схема взгляда на вертикальную часть изображаемого параллелепипеда.

А правый показывает то, какую форму и каких размеров примет объект после приведения в перспективу.

Видео уроки от Scott’а Robertson‘а из Gnomon по рисованию геометрических объектов в перспективе и наложению на них тени.

Попробуйте поискать уроки по ключу:

Gnomon — Scott Robertson

В описании к урокам написано, что это отличные уроки для начинающих. Может это и так, но тот факт, что уроки не переведены на русский и выпущены даже без титров, осложняет процесс восприятия и обучения.

Математика света

Некоторые моменты мне не понятны. Например то, как автор расчитывает тон для поверхностей,  получающих прямой свет от источника или для тех, что находятся в тени.

На рисунке ниже видна шкала, где 10 — это самый светлый свет (после белого листа конечно), а 90 — самый тёмный.

На параллелепипедах грани обозначены номерами как раз этих цветов от 0 до 9, но я не пойму каким образом он производит такой расчёт.

Так или иначе материал очень полезен и в нём масса интересных вещей, которые стоит применить у себя на практике. Например, хорошо описана тема перспективы вплоть до построения тени на горизонтальной поверхности от объекта.

Scott Robertson просто ас в этом направлении. Если Вам необходим грамотный материал по геометрии или архитектуре — то это то, что Вам нужно.

Успехов с геометрией!

Обратил внимание на то, что во многих моих работах с световой системе только один источник света, а за частую и вообще сложно определить положение источника света.

Это не очень хорошо, т.к. теряется чувствительность в объёме и характере рельефа.

Не стоит ограничиваться одним источником света!

Оказывается во многих своих работах популярные цифровые художники используют систему из нескольких источников света.

После осинения я сразу же попробовал нарисовать простую сцену с несколькими источниками света.

• Тёплый оранжевых перед предметом
• Холодный голубой позади предмета

Ниже анимация с процессом создания этой сцены +)

В процессе рисования предыдущего пейзажа я наткнулся на неожиданный эффект. Конечно, если вдуматься — он вполне естественен, однако чёткое понимание всех условий смешивания цветов ведёт к новым возможностям и большей свободе в реализации новых идей.

Итак, расскажу, что я заметил)

Вот квадрат, какого цвета? Если пипетнуть его, то видно, что он образован от жёлто-оранжевого, только темней и серей.

подопытный

его цвет

Ниже самое интересное… Круг из некоторых насыщенных цветов из общего цветового радужного круга))

Я примешал розового на все эти мазки путём создания нового слоя с розовым и установкой прозрачности 50%. Так вот, если посмотреть на зелёный цвет, под розовым.. то всё равно видно, что это именно зелёный, хотя если запипетить его это далеко не зелёный, а то, что мы рассматривали вначале.

Какие выводы можно сделать из всего этого?)

1. Теперь понятно, почему художнику сложно раз и взять из головы цвет какого-нибудь предмета и сразу выделить его в палитре.

2. Окружение — вот что определяет, что за цвет мы видим. Так получилось, что в сравнении с тёмно-розовым такой вот тёмно жёлтый становится больше похож на зелёный.

3. Окружение не только определяет какой цвет мы видим на рассматриваемом предмете, но и какой цвет перенимает к себе предмет под действием окружения. В нашем эксперименте под розовым цветом зелёный стал более жёлтым. Это необходимо помнить при проработке предметов в сцене с цветной атмосферой или освещением.

Успехов на практике)

Совсем недавно столкнулся с таким вопросом… Какие цвета являются тёплыми, а какие холодными.

По итогам изучения статей в интернете было понято, что самой популярной моделью является такое распределение, которое Вы видите ниже, где цветовой круг делится на две части отрезком через точки жёлтого цвета и фиолетового. (Модель на левом рисунке)

Честно говоря, для меня такое разделение оказалось неожиданным. Я всегда думал, что зелёный цвет похож на тёплый да и его оттенки с жёлтым тоже смотрятся весьма тепло.

Разделение цветов, которое тоже встречается в интернете изображено на втором рисунке справа. Для меня такая модель более кажется более адекватной.

По большому счёту все эти разделения очень условны, но всё же косвенным образом влияет на успех в композиции.

Некоторые правила по использованию тёплых и холодных цветов есть в моей любимой Теории цвета от Henning’а Ludvigsen’а.

PS. Разделение на тёплые и холодные цвета понадобилось для сортировки всех работ в сети Pulse of Vast Event.

После некоторых раздумий о том, на какие тематические сектора разделить сообщество, остановился на разделение по цвету, а не по тематической категории. Конечно будут и «метки/теги», но первое, на что будет направлены усилия — это позиция художественной работы в гонке холода и тепла

Вроде бы не публиковал эту памятку для более балансированного кадрирования портретов с персонажами. Вот она ниже под катом…

Кадрирование, это не детализация и не цветовая гамма работы, но даже она может сыграть одну из ключевых ролей в гармоничности и восприятии изображения.

Ниже картинка с областями, подходящими под определённые размеры вписываемой части персонажа в картину.

Удачи в кадрировании +))

Основой теории цвета является вот этот кружок, что выше, в котором уместилась радужная полоска из семи цветов, которые все прекрасно знают:

К О Ж З Г С Ф

Каждый, ведь замечал такую особенность, что все конкретные цвета из этого круга похожи на определённые.

Например, с оранжевым ассоциируется красный и жёлтый (соседи). Но вот красный, почему то не ассоциируется с фиолетовым и оранжевым (соседи).

Думаю это наблюдение не ново, но всё же… :

Мазки 50% кистью залезающие на соседний цвет

Тоже самое, только повышена насыщенность до максимума

Так выходит, что есть 3 главных цвета: жёлтый, красный и синий. Я тоже удивился, почему это не столь распространённые RGB.

При попытках получить жёлтый таким же способом, только при помощи Красного, Зелёного и Синего — ничего путного не вышло. Единственное, что увидел — это малое отклонение от красного к оранжевому цвету.

В итоге получили 6 цветом, а не 7… Голубой не понятно где.

После некоторых проб получилось:

«Голубенький» вылез, если прозрачность настроить потоньше. Получается ситуация, похожая на фишку в музыке. Между двумя основными цветами где 1 побочный, а где 2. Так же и в музыке… между Ми и Фа, Си и До по одному полутону, в отличие от остальных парных комбинаций.

К чему это всё oO ?) Не знаю. Может это что-то даст в подборе и генерации неплохих цветовых схем для композиций или положен начало в изучении воздействия цвета на человека.

Рисунок из галереи Robi Pena с тремя одинаковыми персонажами, но в разной цветовой окраске. Даже тени одинаковы.

Каждая фигура имеет своё настроение и каждый типаж представляется в особом свете с уникальными свойствами в зависимости какой выбран цвет в рисунке.

У первых двух, так вообще, цвета очень похожи, но это не мешает значительно отличаться в эмоциональном плане.

Цвет в рисунках, как видно, очень важный компонент, для придания определённого настроения рисунку, для передачи тех или иных свойств персонажу или пейзажу.

Всем полезная штука — Цветовая мешалка) с идеальными сочетаниями цветов.

Про противоположные цвета и находящиеся рядом, узнал из цветотеории, которую опубликовал на блоге.

Чтобы пользоваться этим инструментом, лучше, конечно, ознакомиться с ней. Да и вообще, куда ж без неё)

ColorSchemeDesigner.Com

Финальная часть статьи

После рисования последнего рисунка с женским портретом во весь рост — «Sweetness» (Сладость), решил заняться более серьёзно рисованием людей. Было бы отлично научиться рисовать людей в более свободной манере, без миллиона перерисовываний одного и того же элемента.

Основой для быстрого создания нужной позы персонажа является построение. С этого я и начал. Предыдущий пост, как раз на эту тему.

Недолго думая, я решил попробовать накидать фигуру человека. Конечно же женскую).

Шаблон из трёх рисунков с пропорциями женского тела

с помощью которого я начал рисование тела с построения. Конечно же все линии рисунка должны быть на отдельном слое, отличном от слоя шаблона.

Полный размер: Кликните по миниатюре

Первые линии и круги соединения частей тела. Ещё не додумал расположение и все детали композиции. У меня всегда это потом +) Сначала КИСТЬ, потом МОЗГИ ))

Полный размер: Кликните по миниатюре

Женские и мужские пропорции тела при рисовании. Для женского тела сделаны два шаблона: обычный и высокий «прототип» +) При рисовании «Сладость» я использовал «высокий», сейчас же хочу внести маленько разнообразия и решил посмотреть на «стандартную модель».

Сперва рисуется линия позвоночника, а после идёт разметка начиная от шеи до пупка.
Растояние от пупка до основания ног и длина ног 3 — 3.5 головы.

Открываем шаблон ниже и начинаем рисовать. Рисовать людей трудно(долго), но интересно… У меня не было рисунков, в которых было бы более одной персоны. Это дело я думаю скоро исправить.

Сейчас я продолжаю рисование этого рисунка, пока не покажу, что получилось. Потрачено 4 дня пока. Есть цвет и тени тела. Работаю над лицом.

Хотелось бы получить значительную степень реалистичности + хороший фон + если повезёт, то добавлю второго персонажа, тока куда и под каким предлогом, я так же не решил +)

Тренировка и практика в анатомии — это главное….

Пока всё. Удачи!

P.S. Вскоре опубликую ещё парочку полезных уроков, которые мне понравились.

Исследования.

Как?

Я начал проводить исследования только несколько лет назад, о чем очень сожалею. Вы не сможете дать правильное расположение линиям, основываясь только на предположениях и нарисованных диким образом набросков. Вы можете начать учиться, используя картинки для того, чтобы в процессе рисования на них ссылаться. На начальной стадии рисования вы должны быть свободными и быстрыми в своих движениях, не заботясь о таких вещах, как, например обычная анатомия. Таким путем Вы можете сконцентрироваться на фактическом проекте.

Не ограничивайтесь ручкой, подряд вырисовывающей деталь за деталью. Поместите отметки на те места, где должны находится важные моменты. Они будут служить ориентирами, которые будут выправлены позже.

Начните исследовать построение простых вещей, таких, как фрукты/плоды. Если вы не знаете правильной прорисовки той или иной вещи, то и ошибку в ее неверной подаче зрителю вы тоже не заметите.

Карандаш.

Карандашный набросок не должен включать в себя нечто большее, чем несколько быстрых и неуклюжих штрихов. Я трачу несколько часов на рисование карандашного эскиза, и когда делаю их, вырисовываю 10-30 линий на каждом листе (A4). Я рисую скетчи только лишь несколько раз в месяц и с каждым разом замечаю, что все более и более совершенствуюсь. Только вообразите, что случилось бы, если б Вы делали их несколько раз в неделю в течение многих лет.

Некоторые наброски сделанные с комических поз и фотографий лиц.

Краска.

Когда я рисую в стиле digital , я использую Фотошоп и главным образом фотографию из Интернета. Сначала, дублирую окно и очищаю новый слой. После, начинаю помещать большие цветные массы в их приблизительные положения. Далее я постепенно увеличиваю количество деталей и крашу с такой точностью, на которую способен. Когда картина выглядит похожей на оригинал на расстоянии или если на нее посмотреть искоса, значит, она закончена. Я всегда работаю с кистью наибольшего диаметра, чтобы потом отдельно детализировать каждый участок. Я не беру цвета с оригинала, но окна у меня всегда находятся в одинаковом размере, таким образом, имею возможность видеть, правильность размещения предметов или деталей. Если Вы хотите увеличить степень усложненности, можно всегда попробовать рисовать в окне с другим размером, и отраженно.

Первая картинка сделана в OC, а вторая в PS.

3

4

Здесь я пробовал быть настолько экономичным насколько возможно. Второй не эскиз, а пример чистки, которая не необходима для исследований.

1

2

одна из самых первых

Эти рисованы с фотографии. Я взял на себя смелость и рисовал немного и в Opencanvas, чтобы добавить стиля.

Предметы исследования.

Исследуем что?

Изучите все! Вы должны построить большую библиотеку форм и объектов в вашей голове, чтобы быть в состоянии рисовать интуитивно. Вам на это потребуется целая жизнь или даже больше, поэтому не теряйте времени зря!

Человеческая анатомия.

Одна из самых важных вещей, которую Вы должны знать. Даже монстры имеют следы человеческой анатомии.

- Целое тело. Фотографии, на которые нужно ссылаться в рисовании, книги по анатомии, статуи или реальные люди.

- Лицо — вещь, на которую мы смотрим с самого начала. Если Вы немного сместите хоть одну из линий, таким образом, дав ей неправильное расположение, то все выражение лица изменится. Внимательно вглядывайтесь в фотографии ваших друзей или себя самого.

- Руки являются также важным и трудным для изучения объектом.

-Ноги тоже могут быть не легки для изучения. Не из-за формы, а из-за того, что героя нужно будет поставить на землю так, чтобы не казалось, будто он на нее падает или она сама наклонена.

- Ежедневная одежда. Важно знать, как ткань, образует складки, и как различные типы тканей смотрятся, и “сидят”.

Жесты и стили.

Вы должны придумывать новые идеи и бежать от однообразия. Изучение некоторых других стилей рисования может очень помочь в этом.
- Рисуйте моменты из жизни, используя ваших друзей или людей в кафе, автобусе или где-нибудь еще в качестве героев. Как человек ведет себя, когда он открывает дверь, достает ключи, и вдруг видит, что он замечен художником?

- Marvel. Как художники Marvel представляют человеческое тело в виде линий? Какие детали являются важными и что упрощено?

- Модести Блез, или подобный ему любой другой реалистический, и в тоже время комический стиль. Рисование градиентов с использованием только белого и черного цветов вовсе не легкая работа.

- Manga или любой другой стиль, который вам нравится. Снова, как художник преобразовывает человеческую анатомию в линии и красит комками цвета? Какие параллели Вы сможете провести между различными стилями?

Окружающие среды.

Помещение вашего героя в какую либо окружающую его среду действительно вдыхает в него жизнь. Это — кое-что, что я определенно должен изучить сам.

- Пейзажи с полями, горами или всего остального в этом роде.

- Густой лес или джунгли.

- Городской или индустриальный ‘пейзаж’.

-Внутренняя установка, например комната с мебелью. Скучно, я знаю. Если честно, то я этого вообще никогда не делал.

Найдите книгу о животных…

.. и начните рисовать некоторых из них. Хорошим способом спроектировать монстра является “сборка” одного из нескольких видов.
- Все живые существа. Природа потратила миллионы лет, совершенствуя их проекты, таким образом, Вам лучше изучить их.
- Лошади, Коты, Собаки, птицы. Они особенно важны, так как они видятся нам чаще остальных.

Машины.

Вы также должны практиковать рисование машин. Это может быть полезным для проектировки роботов и сумасшедших сражений Друидов.

- Автомобили различных моделей.

- Машины для рытья и рабочие машины.

- Военные транспортные средства.

Классические объекты из реальной жизни.

В основном, сюда можно отнести все, что угодно! Это очень просто, доступно и подходит для изучения рисования в общем. Вы не будете очень возиться с формами, и сможете сконцентрироваться на материалах.

- Цветы, фрукты (плоды), скелеты, скульптуры; куски леса(древесины), ржавых металлических частей.

Самокритический анализ.

Анализируйте свои ошибки.

Можно легко ослепнуть оттого, что ты постоянно смотришь на одну и ту же картину, над которой нужно еще быть в состоянии работать. Пробуйте ее поворачивать, смотрите на нее вверх тормашками, через зеркало (я использую компакт-диск), и меняйте масштаб. Не сидите слишком близко к бумаге или с сильно увеличенным изображением. Можно, также сделать ‘Новое представление (вид)’ (‘New view’ , PS).

А еще, обязательно нужно признавать, что только потому, что Вы потратили на какую то работу определенное время, это вовсе не означает, что она чего-то стоит. Вы должны быть готовы пожертвовать этим временем, если картина не получилась удачной. Даже если вас устраивают детали, возможно, вам придется все переделывать ( иными словами, придется убить вашу дорогую). Иногда ошибка состоит даже не в самих деталях, на исправлении которых вы концентрируетесь, а на чем-то близком к ним, такое как фон или перспективный вид других деталей.

Что является самым важным в живописи?

1.Построение. Что Вы пробуете красить? Ваш предмет и композиция должны работать на фундаментальном уровне. В противном случае никакое последующее выравнивание не сможет спасти картину. Если вы даете неправильное построение позы в начале, то в конце будет еще хуже, даже если рисовать будет сам Rembrandt.

2.Соотношения. В живописи, очень важно использовать правильное соотношение цветов для представления формы.

3. Иллюстрация- первая версия здесь очевидно неправильна. На каждой форме обработана форма и тень. Второй вариант лучше, но там представлен лишь один тип соотношения цветов. Третий имеет различные типы соотношения на различных объектах. Возможно, он терпит неудачу в построении, хотя…

Здесь соотношение тени и света, а также цвет используются, чтобы отделить передний план и фон.

4.Цвет. Можно и не очень хорошо разбираться в цветах, но все еще не иметь с этим проблем. Если Вы не можете осилить работу над ними, значит, ваша ошибка состоит в неправильном представлении света и тени. С другой стороны, если на предыдущих этапах с цветом проблем не было, то более новый и свежий вид картине можно придать с помощью color balance. Ссылаясь на мой опыт, первоначальный выбор является часто лучшим.

Критический анализ и общие ошибки.

Когда я даю критический анализ на различных форумах, я часто печатаю одни и те же замечания. Вот — список общих ошибок, которые совершаются художниками новичками.

Проблема: Последовательность тень — средний тон — блики рисуется на каждой картине, в независимости от угла и положения фигуры.
Решение: Пробуйте изменить масштаб изображения, повернуть картину, посмотреть с другого угла. Не вырисовывайте каждую деталь индивидуально. Одновременно освещенные незначительные детали сглаживают живопись и делают трудным разбор большинства главных форм.

Проблема: Смешивание сначала черного цвета в тень, а белого в отблески; а затем смешивание промежуточных цветов.
Решение: Это заставляет картину выглядеть серой и унылой. Я сталкивался с несколькими людьми, которые искали уроки по штриховке. Нет такой вещи. Нет никакого утверждения о том, что Вы должны начать с темного цвета закончить ярким цветом, а затем проделать это на каждой детали. Нужно учиться, тому, как действует свет, и работать так, как работали бы с трехмерной компьютерной программой. Некоторые могут опровергнуть это мнение, но я считаю его верным и часто получаю лучший результат, если не беру во внимание свои привычки и следую только правилам удачного представления картины.

Проблема: Представлять и выдвигать на первый план детали, которые только отвлекут зрителя. Кисть Dodge является здесь настоящим грешником.
Решение: Вы должны будете пожертвовать большим количеством деталей, которые, возможно, выглядели бы устрашающими, если бы все были полностью вырисованы. Важной является цельность живописи. Поэтому никаких сигнальных ракет на незначительном маленьком пареньке в углу. Глаза должны останавливаются на основном моменте, на контрасте и насыщенности, как и отмечалось выше.

Проблема: Плоские и жесткие позы, фигуры выглядят как раздавленная муха .

Решение: Я часто совершаю эту ошибку. Легко привлечь людей от стороны или переднего плана с помощью человека с растягивающимся руками. Только в конце это будет выглядеть очень скучно и нединамично, до тех пор, пока у вас не будет композиционной идеи. Кроме того, скрывая детали, Вы позволите воображению зрителя придумать их расположение, что также может очень пригодится. Как бы не нарисовал художник, представление в воображении всегда будет лучше. В любом случае, изучите перспективные и динамические позы из обзора комиксов и реальных моделей или фотографий. Со временем дохлые мухи скажут вам только: “пока”! .

Проблема: Плохая экономия линий или попытка вычурного возгласа: “ой, посмотрите, какой я спонтанный!”.

Решение:Каждый линия должна вносить свой вклад в рисунок. Мала надежда на то, что с помощью спонтанных линий вы сможете избежать проблем. Случайные удары делают случайные детали! А последние, в свою очередь отвлекают зрителя от главных моментов живописи или рисунка. Я знаю, что многие художники рисуют прекрасные сцены с помощью только небольшого количества удачно нарисованных линий, но думаю, что они фактически делают большую работу по очистке и оптимизации. Пробегитесь через всю часть живописи и удалите, сгладьте линии, которые никак не функционируют. Удостоверьтесь, что именно мотив получает центр внимания. Главные формы и объемы являются всегда самыми важными, и многими опрятными линиями придется пожертвовать, чтобы заставить все это совместно работать.

Автор: Niklas Jansson
Перевод: Severina & |n_dA_L`AmouR на demiart.ru

Продолжение статьи:

Правила рисования: Свет • Материалы • Тени / Часть первая

Правила рисования: Фокус • Линии / Часть вторая

Суть правила и применение его в рисунке:

К композициях, будь то рисунок либо фотография есть зоны, приемлемые размеры, длительность, которые принимаются человеком на УРА. Такова природа человека.. Да и вообще Природа.

Говорят что прогрессия количества рождаемости кроликов в следующих поколениях можно вычислить по этому закону. Даже рога у барана закручены по этому закону +)

Так же золотое сечение пытаются использовать для предсказания движения цен на финансовых рынках. Говорят, что и в музыке не обошлось без него.

Формулировка «Золотого сечения» такова:

Деление непрерывной величины на две части в таком отношении, при котором меньшая часть так относится к большей, как большая ко всей величине.

Слова умные, но понятные.. Не пугайтесь заучивать ничего не надо +) Следует лишь запомнить два числа 38 и 62 процента. На следующем рисунке я разбил весь холст по этим линиям на 38-ми % и68-х %.

Размещение ключевых объектов или деталей композиции на линиях золотого сечения. А ещё лучше в местах пересечения.

Пока всё о теме позиционирования объектов. Я всегда пытаюсь применять это правило. Да и видел много подтверждений его выгодного использования.

Основы рисования на компьютере можно почерпнуть из следующей композиции. На мой взгляд, не плохой пример поэтапного рисования. Урок довольно детальный и в нём достаточно хорошо видны все основы, с помощью которых рисовалась картинка на компьютере.

Название: Может быть я улыбнусь завтра…

Набросок

Начну, пожалуй со следующих идей:

• центре будет ствол, большой старый ствол дерева,
• девочка будет сидеть прямо перед нами в позе, позаимствованной с ДэвианАрта,
• сердце расположу на первом плане.

1) Начинаю рисовать (А)

• Размер холста 800х1200 пикселей
• Фон — чёрный
• Кисть обычная (Basic) большая
• Цвет кисти голубой

2) (А) На новом слое начинаю рисовать тень девочки.

3) Image-> Ajustements-> Color balance

Я не помню точно цифры, но выбрал я примерно такие:

• Режим — Hightligh
• Cyan/red +95
• Yellow/blue -85

Затем я добавил яркости и избавился наконец от черного неба — (В)

В) Девочка с зонтиком?

Сначала рисунок выглядит совсем не симпотично, но я не из тех, кто думает, что что-то стоящее рисуется с первого клика. Рисунок создаётся маленькими шажками, выбирается цвет, меняется композиция, что-то добавляется — это основа рисования.

Например вороны…на этом этапе всего несколько мазков и намёк на их существование ) Та же история и со стволом дерева. Хотелось нарисовать промёрзшее дерево, ещё не умершее до конца, но уже умирающее.

На этом шаге я пользуюсь:

• маленькой кистью в 15 px
• с прозрачностью 55%.
• Цвет беру пипеткой с неба

С) Работа

Очень важно лицо Оливии для этого рисунка (основа). Я долго работал над этой частью, сначала она получалась злой, а не грустной…

Прорисовываю текстуру дерева.

Зонт не вписывался в композицию, которая у меня получалась. Видите щель… Так вот зонт сливался с ней, и я отказался от этой идеи.

Я хотел, чтобы рисунок будет грустным, но мне захотелось сделать обстановку более светлой. Поэтому воспользовался Color Balance:

Shadows: 0 0 0

Midtones: -55 -67 -36

Hightlight: 0 -7 -40

D) Продолжаем…

Очень важен взгляд со стороны. Одна моя подруга помогла мне с лицом Оливии. Иногда бывает, видишь, что что-то не так в твоей работе, а что именно понять не можешь.

Совет: Отразите ваш рисунок горизонтально и это поможет вам по-новому взглянуть на вашу работу!

Когда я сделал это со своим рисунком, я заметил следующее:

• её лицо плоское
• глаза слишком большие
• само лицо не совсем пропорционально

Вот как преобразуется лицо Оливии:

E) Одно сердце и 6 ворон,…9 ворон

Эх, текстура дерева гораздо лучше выглядела на этом этапе, но я это понимаю только сейчас.

Размытие на переднем плане убрано, я решил добавить снега…

Прорисовка ворон…

Начал с кисти размером 40, затем 15, потом 3. Когда я убрал эффект блюра с переднего плана, это означало, что теперь я должен буду детализировать и текстурировать сердце и ворону. Всё должно быть равномерно. Добавил немного снежных хлопьев…

Теперь черёд прорисовки ствола дерева:

F) Завершение

Это конечный вариант рисунка.

Слои, которые были использованы в работе:

• фон (ствол, небо и земля)
• вороны, парящие в небе
• девочка
• сердце и ворона на переднем плане
• 2 крупные вороны
• снег
• и 2 корректирующих слоя.

Похожая статья: Основы рисования

Я использовал только такую кисть:

Автор: Sixio